Zentrale Leerstellen – Bilder zum Zustand der Welt

Die figurativen Aquarelle von Achim Riethmann (geb. 1979 in London, lebt und arbeitet in Berlin) sind äußerst präzise gezeichnet und wirken sehr ästhetisch. Doch schon auf den zweiten Blick wird dieser schöne Schein gebrochen: Die Sujets, maskierte Personen, Pflanzendarstellungen oder technische Apparaturen, werden fragmentiert und dekontextualisiert auf weißem Grund dargestellt. Zentrale Objekte werden nicht gezeigt. Leerstellen rücken in den Fokus. Riethmann untersucht in seinen Arbeiten aktuelle gesellschaftspolitische Fragestellungen wie die Veränderungen von Gesellschaftsstrukturen und Wertesystemen oder die Position des Menschen innerhalb seiner natürlichen Umwelt. In ihrer lückenhaften Darstellung reflektieren die Zeichnungen darüber hinaus unseren subjektiven und stets unvollständigen Blick auf Wirklichkeit.
Diese erste umfangreiche monografische Publikation des jungen Künstlers versammelt Abbildungen von Aquarellen und installativen Arbeiten, die seit 2009 entstanden sind. Sie enthält Textbeiträge von Isabelle Meiffert und anderen sowie ein Gespräch zwischen dem Künstler und seiner ehemaligen Professorin Leiko Ikemura.

Achim Riethmann

Editor

Russi Klenner
LanguageGerman / English
Format21 x 26 cm
Features

176 pages

approx. 110 color and b/w images

Hardcover with linen

ISBN

978-3-95476-143-2

ReleaseAugust 2016

Zwischen Tradition und Subkultur – Neun Künstler in China

Neun Künstlerinnen und Künstler in Peking. Eine Fotografin aus Berlin. In einem politisch nahezu totalitären System wie China kommt Künstlern eine wegweisende Rolle zu. Die meisten entsagen Wohlstand und Sicherheit zu Gunsten ihrer künstlerischen Passion. Armut und die Angst vor politischen Repressionen lassen vielen Künstlern wenig Handlungsfreiheit. Diese neun schaffen sich dennoch Raum für ihre individuelle Entfaltung zwischen subjektiven, subkulturellen Idealen, chinesischen Traditionen und der turbokapitalistischen chinesischen Gegenwart. Die Fotografin Stefanie Schweiger lebt seit 2012 in Peking. Nach vielen Reportagen für DIE ZEIT, das ZEITmagazin und internationale Medien, begann sie Anfang 2014 an ihrem eigenen Projekt Chicken are not naked zu arbeiten. Sie begleitet Künstler und Künstlerinnen und nimmt auf persönliche Weise an ihrem Leben fotografisch teil. Die chinesische Gegenwartskunst ist seit den 1980er Jahren ein fester Bestandteil des internationalen Kulturbetriebs und vom Kunstmarkt nicht mehr wegzudenken. Der chinesische Staat ist an dessen Wachstum interessiert und unterstützt neue Museen und staatliche Kulturinstitutionen finanziell. Die subkulturelle Kunstproduktion bleibt dabei jedoch oft außen vor. Dieses Buch offenbart differenzierte Blickwinkel auf die vielseitige – im Westen noch nahezu unbekannte – chinesische Kunstszene abseits vom „Mainstream“ und auf menschliche Haltungen in einem Land, in dem Individualität noch immer ein Politikum ist.

Künstler: Bian Yuan, Boer, Dong Dong, Gao Ping, Gao Yanjinzi, Li Binyuan, Liu Donghong, Tong Kunniao, Zhai Yongming

Chicken are not naked

Editor

Stefanie Schweiger
LanguageGerman / English
Format30 x 24 cm (landscape format)
Features

336 pages

approx. 200 color images

Hardcover with linen

ISBN

978-3-95476-137-1

ReleaseSeptember 2016

„Ton zu verarbeiten, birgt immer Unwägbarkeiten. Das empfinde ich als Geschenk.“

Markus Karstieß (geb. 1971 in Haan/Rheinland, lebt und arbeitet in Düsseldorf) studierte von 1992 bis 1998 an der Kunstakademie Düsseldorf bei Jannis Kounellis. Als er 2005 auf der Raketenstation Hombroich auf Lucio Fontanas großformatiges Keramik-Relief Il Sole (1952) in dem eigens hierfür von Erwin Heerich erbauten Pavillon traf, entdeckte er das Material Ton für sich. In der Folgezeit entwickelte er in nahezu ausschließlicher Konzentration auf diesen Werkstoff, dessen Eigengesetzlichkeiten er sich intuitiv anvertraut, eine eigene Formensprache für seine Skulpturen, Installationen und Raumgefüge. Sein Werk entfaltet sich zwischen dem Organischen und dem Geometrischen, dem Dunklen und dem glamourös Glänzenden, der kruden Form und den perfekten Oberflächen. Für das Brennen nutzt er verschiedene Methoden wie die alte japanische Raku-Technik oder arabische Lüstertechniken.
In seinem Künstlerbuch nähert sich Markus Karstieß fotografisch dem Zusammenspiel seiner Arbeiten mit den räumlichen und örtlichen Gegebenheiten des Siza Pavillons auf der Raketenstation Hombroich. Über Wochen hinweg besuchte er dazu seine Ausstellung Irden zu unterschiedlichen Tages- und Nachtzeiten und spürte der Wirkmacht seiner Werke nach. Den so entstandenen Foto-Essay begleiten ein Gespräch zwischen dem Künstler und dem in Hombroich ansässigen Sammler Volker Kahmen sowie Texte von Jannis Kounellis, Friedrich Meschede und Frank Boehm.

Markus Karstieß

Editor

Stiftung Insel Hombroich
LanguageGerman / English
Format22 x 30 cm
Features

128 pages

approx. 70 color and b/w images

Hardcover

ISBN

978-3-95476-170-8

ReleaseSeptember 2016

Zwei profilierte deutsche Fotografen leiten auf der Ruhrtriennale den Nachwuchs an

Junge Fotografie entdeckt und präsentiert von zwei der wichtigsten zeitgenössischen Fotografen – unter diesem Motto fördert die Ruhrtriennale 2016 erstmals junge Fotografie-Talente. Daniel Josefsohn (geb. 1961) und Julian Röder (geb. 1961) gaben zwei Meisterkurse, deren beeindruckende Ergebnisse zusammen mit neuen Arbeiten der Meister in diesem Buch präsentiert werden.
„BUDE BETT BARGELD“ (Wo du lebst, wo du liebst, und wofür du dein Geld ausgibst) lautet Josefsohns Thema. Röder formulierte den Gedanken „Licht unserer Tage“ als eine allegorische Anspielung auf Sichtbares und Unbeachtetes, auf Fortschritt, Vergangenheit und Erleuchtung.
Die vier jungen Fotografinnen und Fotografen Louisa Boeszoermeny, Jakob Ganslmeier, Gregor Schmidt und Julian Slagman wurden unter zahlreichen Bewerbern ausgewählt. Nun hatten sie eine Woche Zeit, ihre kreativen Visionen mit professioneller Unterstützung zu realisieren. Die hierbei fotografierten Bildserien reflektieren die Titel der Kurse sowie den postindustriellen Ballungsraum Ruhrgebiet, wo die Motive hauptsächlich entstanden.
Alle – rund 80 – entstandenen Fotografien werden hier dokumentiert und von einem exklusiven Gespräch mit Daniel Josefsohn und Julian Röder ergänzt, von denen selbst je drei neue Arbeiten zu sehen sind.

Ruhrtriennale

Editor

Johan Simons, Lukas Crepaz, Vasco Boenisch

Kultur Ruhr GmbH / Ruhrtriennale

LanguageGerman / English
Format21 x 27 cm
Features

112 pages

approx. 80 color images

Softcover

ISBN

978-3-95476-158-6

ReleaseAugust 2016

Minimalistische Skulptur wird zum Gewächshaus

Die High Line ist eine 2,33 km lange, nicht mehr als solche genutzte Güterzugtrasse im Westen von Manhattan, die von 2006 bis 2014 zu einer Parkanlage umgebaut wurde. 2015 installierte der amerikanische Künstler Rashid Johnson (geb. 1977 in Chicago, IL, lebt und arbeitet in New York, NY), beauftragt von der Initiative High Line Art, eine öffentlich zugängliche Skulptur auf den alten Gleisen. Sie bestand aus einer schwarzen regalartigen Metallkonstruktion, bevölkert von zahlreichen, leuchtend gelben Büsten. Blocks ist eine umfangreiche fotografische Chronik der gleichnamigen Intervention inmitten der üppigen Vegetation. Im Laufe des ganzen Jahres, die die Skulptur dort aufgebaut war, wuchsen die verschiedenen Pflanzen durch ihre Gitterstruktur und ließen sie im Wechsel der Jahreszeiten immer wieder anders aussehen. Die Bilder zeigen die poetische, zeitlich begrenzte Beziehung zwischen der von Menschenhand geschaffenen Struktur und der Natur. Dabei streifen sie Themen wie Optimismus, Scheitern, Regeneration und Verlassenheit. Ein Gespräch von Cecilia Alemani, Chefkuratorin von High Line Art, mit Rashid Johnson erläutert den Prozess der Entstehung von Blocks und damit die künstlerische Vorgehensweise, die zu Kunst im öffentlichen Raum führt.

Rashid Johnson

EditorMichaela Unterdörfer, Hauser & Wirth
LanguageEnglish
Format24 x 27,5 cm
Features

72 pages

37 color images

Softcover with flaps

ISBN

978-3-95476-168-5

ReleaseAugust 2016

Private Mythologien

„Kunst besitzt eine starke transformatorische Kraft“, sagt Jonny Star (geb. 1964 in Düsseldorf, lebt und arbeitet in Berlin und New York). Star kombiniert in ihren Arbeiten verschiedene Materialien und Medien wie Bronze, Fotografie und Stoff mit installativen Elementen. In ihren Werkgruppen thematisiert sie biografische Erfahrungen, Sexualität, Geschlechterrollen und Identität sowie deren gesellschaftliche Rezeption. "See Me, Feel Me, Touch Me, Heal Me" ist die erste Monografie der Künstlerin und stellt ihre Arbeiten der letzten zwei Jahrzehnte vor. Das Buch wird von drei Textbeiträgen begleitet: Die Kunsthistorikerin und Ausstellungsmacherin Eva Meyer-Hermann geht auf Jonny Stars neueste Arbeiten ein, die Tapisserien Free Your Soul, und schlägt dabei auch einen Bogen zu deren kuratorischen Projekten. Die Kuratorin und Autorin Tina Sauerländer stellt Stars Œuvre vor und beschreibt ihre Arbeitsweise und Entwicklung. Der Kunstkritiker und Publizist Ralf Hanselle widmet sich in seinem Essay der künstlerischen Utopie und den Anfängen der Künstlerin, ihrer Installation Weltstadt Berlin aus dem Jahr 1996.

Jonny Star

LanguageGerman/English
Format16,5 x 24 cm
Features

144 pages

approx. 110 color images

Hardcover

ISBN

978-3-95476-148-7

ReleaseSeptember 2016


SEARCH


Basket

Your basket is empty!



 
Share on Facebook